de Patrick Scemama

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La République de l'Art
Inside, voyage intérieur

Inside, voyage intérieur

Eternel empêcheur de tourner en rond, Jean de Loisy nous avait prévenu : à l’heure où le Paris de l’art contemporain brille de tous ses feux, pendant la FIAC et pour l’ouverture de la Fondation Vuitton dans le Bois de Boulogne et la réouverture du Musée Picasso, il voulait, lui, une exposition tournée vers l’intériorité, le repli, l’introspection. Avec Daria de Beauvais et Katell Jaffrès, toutes deux commissaires au Palais de Tokyo, il a donc conçu Inside, un parcours qui propose au visiteur « une expérience unique, une traversée risquée de soi dont l’espace d’exposition est à la fois le sujet et la métaphore ». Et pour le réaliser, il a fait appel à une trentaine d’artistes (dont certains ont réalisé des pièces spécialement pour l’exposition), qui ont transformé le bâtiment en un vaste organisme, un voyage initiatique qui va, selon les règles, du physique au mental et du psychique au spirituel, dans le but d’agir de manière à la fois sensorielle et émotionnelle sur le visiteur. Ambitieux programme !

L’exposition s’ouvre par une installation à la fois spectaculaire et inquiétante du collectif Numen/For use qui s’étend dans tout le hall d’entrée du Palais de Tokyo. Il s’agit d’une sorte de boyau constitué de scotch transparent, qui est fixé au-dessus de la tête des spectateurs et dans lequel on peut entrer et se faufiler. Il mène à la première pièce, qui constitue à proprement-parler l’entrée de l’exposition, et qui est une mystérieuse et fascinante forêt en carton réalisée par Eva Jospin. On pense bien sûr aux forêts de légende, qui sont des lieux où l’on se perd et où l’on se retrouve, et à celle évoquée par Dante dès les premiers vers de La Divine Comédie. Cette introduction mène à une série de pièces qui, comme le boyau de Numen/For Use, renvoient à l’intérieur du corps, à ce qu’il a de plus caché, de plus organique : une vidéo de Mickhail Harikis & Uriel Orlow qui montre une chorale d’anciens mineurs qui imitent par leur chant les bruits de la mine ; une sorte de « trompe-l’œil » de Marcius Galan qui donne à penser que l’on passe de l’autre côté du miroir ; un grand dessin mural de Marc Couturier qui fait référence au troisième jour de la Création, lorsque les eaux se séparent pour laisser place à la Nature et aux végétaux ; une série d’œuvres de Dove Allouche qui font apparaître à l’œil nu ce qui est habituellement invisible ; etc. Elle se clôt par une vidéo de Yuri Ancarani, Da Vinci, qui est effectivement une plongée à l’intérieur du corps humain, puisqu’il s’agit d’une caméra chirurgicale qui explore les viscères, mais dans des tonalités de bleu qui évoquent la « grotta azzura » la grotte maritime mythique de Capri.

Inside-6Les quatre œuvres qui suivent marquent une évolution, font passer de la profondeur des entrailles à un âge d’entre deux, de l’enfance encore cachée à un statut d’homme libre de ses décisions (« du stade anal au stade phallique », dirait-on en psychanalyse ?). Il s’agit d’abord de sculptures de Ryan Gander (I is…), qui sont des moulages en poudre de marbre et résine de cabanes réalisées par sa propre fille1, puis d’une énorme installation de Peter Buggenhout, qui est une sorte de bâtiment en ruines sous lequel le visiteur passe (les deux œuvres faisant clairement à la fascination de l’enfant pour les replis imaginaires, à la fois réconfortants et inquiétants). Puis on sort de l’ombre pour accéder à la lumière et aux deux seules œuvres éclairées par la lumière naturelle de la verrière : celle, sublime, du sculpteur Mark Manders, qui est comme un atelier d’artiste laissé à l’abandon, et celle de Mike Nelson, qui est une œuvre en devenir, à mi-chemin de la lourdeur du béton de sa structure et de la grâce du grillage qui forme sa partie supérieure.

Mais le répit n’aura été que de courte durée, et après avoir descendu l’escalier qui mène aux sous-sols du Palais de Tokyo (investi par l’artiste du street-art, dran), on entre dans les territoires sombres, là où la raison bascule et les repères se perdent. C’est peut-être là, d’ailleurs, que l’exposition patine un peu, en présentant des œuvres qui se ressemblent trop. Se succèdent donc des vidéos de Hu Xiaoyuan, de Sookoon Ang, d’Andro Wekua, de Jesper Just, de Nathalie Djurberg & Hans Berg et de Reynold Reynolds et Patrick Jolley, qui, sur un mode réaliste, poétique, symbolique ou grotesque, mettent en scène nos fantasmes, nos obsessions et nos peurs, en particulier ceux qu’on peut ressentir au moment de l’adolescence. Et de Christian Boltanski, on peut voir un film rare, L’Homme qui tousse, qui a été réalisé au moment où l’artiste abandonnait la peinture et qui peut être lu comme une métaphore de cet abandon. Mais de cette section, que l’on pourrait associer aux troubles psychiques, émergent trois œuvres : la première est une pièce dans laquelle on s’enferme volontairement de Valia Fetisov et dont il faut trouver le moyen de sortir (à déconseiller aux claustrophobes), la deuxième est une installation toute blanche de Christophe Berdaguer & Marie Péjus composée de sculptures issues de dessins réalisés dans le cadre d’un test psychologique et la troisième est une incroyable cabane en bois de Stéphane Thidet dans lequel on aimerait bien venir se réfugier après une randonnée en montagne, s’il ne pleuvait à verse à l’intérieur.

Inside-9Enfin la dernière partie de l’exposition aborde le sujet le plus grave de la mort et de la spiritualité. On y est d’abord confronté à  une très bouleversante installation vidéo de Araya Rasdjarmrearnsook (je sais, c’est imprononçable), qui montre l’artiste en train de faire la lecture ou la conversation à des morts, comme pour les consoler et se substituer à la famille ou aux proches que ces malheureux n’ont pas eus. Puis à l’œuvre très polémique d’Artur Zmikjewski qui a été tourné dans une ancienne chambre à gaz d’un camp de concentration et dans laquelle un groupe d’adultes nus joue à chat. Pour l’artiste, investir un lieu de traumatisme collectif par le jeu relève du traitement thérapeutique et de l’exorcisme. Cette théorie peut s’entendre, mais n’en suscite pas moins un profond malaise. Dans l’avant-dernière pièce, vide, on entend juste la voix de Bruce Nauman nous disant : « Get out of my mind, get out of this room », comme pour chasser les démons auxquels on vient d’être confrontés. Et après une installation de Tunga dans laquelle on entend, en boucle, la chanson de Frank Sinatra, Night and Day, Inside se termine par un mur de Jean-Michel Alberola sur lequel est écrit : « La sortie est à l’intérieur », lequel Alberola était déjà au tout début de l’exposition avec une toute petite sculpture représentant un homme avec une tête en coquille d’escargot, métaphore de la proposition.

On le voit, avec ses acolytes, Jean de Loisy a concocté une exposition dense, riche, touffue. Une exposition où tout n’est peut-être du même niveau, qui aurait sans doute gagné à être un peu resserrée (que vient faire, par exemple, la pièce très démonstrative de Andra Ursuta qui traite de la violence faite aux femmes par le biais d’un mur sur lequel une machine lance des pierres ?) et où la vidéo a une place un peu prédominante. Mais une exposition dans laquelle il faut accepter de s’engouffrer, d’y lâcher un peu prise, et qui vous poursuit alors, bien après que vous l’avez quittée.

1On avait déjà pu voir quelques-unes ces œuvres l’an passé, au Plateau, dans l’exposition de Ryan Gander, Make every show like it’s your last (cf http://larepubliquedelart.com/le-jeux-de-pistes-de-ryan-gander/).

Inside, jusqu’au 11 janvier au Palais de Tokyo, 13 avenue du Président Wilson 75116 Paris (www.palaisdetokyo.com)

PS : A l’occasion de sa nouvelle saison, le Palais de Tokyo présente d’autres expositions, dont une, coproduite avec la K11 Art Foundation, et consacrée à la Chine (Inside China), et une, coproduite avec le Festival d’Automne, dédiée à l’artiste croate David Maljovic. Mais parmi toutes ces autres propositions se distingue celle, magnifique, d’Enrique Ramirez, un jeune artiste chilien qui a été lauréat, l’an passé, du Prix des Amis du Palais de Tokyo et dont il a déjà été question dans ces colonnes (cf http://larepubliquedelart.com/enrique-ramirez/). Il s’agit d’un triptyque vidéo, Los Durmientes, qui fait référence aux victimes que la dictature chiliennes jetait à la mer, parfois encore vivantes, depuis des hélicoptères, attachées à des rails. C’est à la fois beau formellement, grave et terriblement émouvant.

Images : Vues de l’exposition « Inside », Palais de Tokyo (20.10.14 – 11.01.15),  Mark Manders, Argile Silencieuse (détail), 2014 ; Marc Couturier, Dessin du troisième jour, 2014 ; Stéphane Thidet, Sans titre (Le Refuge), 2007. Photos : André Morin.

 

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